Centro de Arte Manuel de Brito (CAMB), Parque Anjos, Algés, Lisbon, Portugal
Materials: Acrylic on canvas
"ARTS AND LITERATURES EXPOSITION"
ABOUT THE WORK
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ANTERO DE QUENTAL (1842 — 1891)
BIOGRAPHY
EARLY LIFE AND CHILDHOOD
He was born in Ponta Delgada on the island of São Miguel, in the Azores, into one of the oldest families of the provincial captaincy system. Antero was baptized on 2 May 1842 (few days after his birth), much to the rejoicing of his mother.
His parents, Fernando de Quental (Solar do Ramalho; 10 May 1814 – São Miguel Island, Ponta Delgada, Matriz; 7 March 1873), a veteran from Portuguese Liberal Wars who took part in the Landing of Mindelo and, in his liberal enthusiasm and wife Ana Guilhermina da Maia (Setúbal, 16 July 1811 – Lisbon 28 November 1876), a devout Roman Catholic. He was also a relative of Frei Bartolomeu de Quental, founder of the Congregation of the Oratory in Portugal.
He began to write poetry at an early age, chiefly, though not entirely, devoting himself to the sonnet.
He took French lessons under António Feliciano de Castilho, a leading figure of the Portuguese Romantic movement, who resided in Ponta Delgada at the time. Antero was seven when he enrolled in Liçeu Açoriano (a private school), where he received English lessons from a Mr Rendall, a renowned prospector on the island.
In August 1852, he moved with his mother to the Portuguese capital, where he studied at Colégio do Pórtico, whose headmaster was his old tutor Castilho. But the institution closed its doors, and Antero returned to Ponta Delgada in 1853. On writing to his old headmaster, he would say:
Your excellency once put-up with me at your Colégio do Pórtico when I was still ten years old, and I confess that I owe you much for your great patience, for the little French that I have known until this day.
Throughout the latter part of his life, Quental would dedicate his studies to poetry, politics, and philosophy. By 1855, at the age of 16, he had returned to Lisbon, then to Coimbra where he graduates from the Colégio de São Bento in 1857.
COIMBRA YEARS
In the fall of 1856, he enrolled at the University of Coimbra, where he studied Law, manifesting his first socialist ideals.
The important fact in my life during those years, and probably the most decisive one, was the sort of intellectual and moral revolution that took place within myself, as I left a poor child, pulled away from an almost patriarchal living of a remote province immersed in its placid historical slumber, towards the middle of the irrespective intellectual agitation of an urban center, where the newly found currents of the modern spirit would come more or less to supercute.
As all my Catholic and traditional upbringing swept away instantly, I fell into a state of doubt and uncertainty, as ever the more pungent as I, a naturally religious spirit, had been born to believe placidly and obey without effort to an unknown rule. I found myself without direction, a terrible state of mind, shared more or less by all those of my generation, the first one in Portugal to ever leave the old road of tradition with decision and awareness.
If to this I add a burning imagination, with which Nature had blessed me in excess, the awakening of the loving passions known to early manhood, turbulence and petulance, the enthusiasms and discouragements of a meridional temperament, a lot of good faith and goodwill but a severe lack of patience and method, and the portrait of my qualities and defects with which I, at 18 years old, penetrated in the vast world of thought and poetry, shall be drawn.
He soon distinguished himself for his oral and written talents, as well as turbulent and eccentric nature. While in Coimbra, he founded the Sociedade do Raio, which pretended to promote literature to the masses, but which launched blasphemous challenges to religion.
In 1861, he published his first sonnets. Four years later, he published Odes Modernas, influenced by the Socialist Experimentalism of Proudhon, who championed an intellectual revolution.
During that year a conflict (which would later be known as Questão Coimbrã) would develop between the traditionalist poets, championed by António Feliciano de Castilho (at that time the chief living poet of the elder generation), and a group of students (which included Antero Quintal, Teófilo Braga, Viera de Castro, Ramalho Ortigão, Guerra Junqueiro, Eça de Queiros, Oliveira Martins, Jaime Batalha Reis and Guilherme de Azevedo, among others).
The contact with the nation’s cultural and literary elite, the liberal and progressives in academia, did not identify with the aesthetic formalism in the literature of the day. Accusing this modernist group of poetic exhibitionism, obscurity, and generally a lack of good sense and taste, Castilho attacked the modernist poets for instigating the intellectual revolution.
In response, Antero published Bom Senso e Bom Gosto, A Dignidade das Letras and Literaturas Oficiais in which he defended their independence, pointing to the mission of poets in an era of great transformation, the necessity of being the messengers of the great ideological questions of the day, and included the ridiculousness and insignificance of Castilho’s style of poetry under the circumstances. This gave rise to the 1865 controversy known as the "Coimbra Question", and his groups reference as the 70s Generation which opposed the ultra-romantic group of António Feliciano de Castilho.
UNQUIET MATURITY
He then traveled, engaged in political and socialist agitation, and found his way through a series of disappointments to the mild pessimism. Strangely, it animated his latest poetry. In 1866 he went to live in Lisbon, experimented with proletarianism, worked as a typographer (at the National Press), a job that he also continued in Paris (where he went to support French workers), between January and February 1867.
He briefly went to the United States, but returned to Lisbon in 1868, where he formed Cenáculo, along with Eça de Queirós, Guerra Junqueiro, and Ramalho Ortigão; an intellectual group of anarchists against many of the political, social and intellectual conventions of the day.
Paradoxically, he was a founder of the Partido Socialista Português (Portuguese Socialist Party). In 1869, he founded the newspaper, A República — Jornal da Democracia Portuguesa with Oliveira Martins, and in 1872, along with José Fontana, he began to edit the magazine O Pensamento Social.
In the year of the Paris Commune (1871) he organized the famous Conferências do Casino (English: Casino Conferences), which marked the beginning of the spread of Socialist and Anarchist ideas in Portugal, distinguishing himself as a crusader for republican ideals.
In 1873, he inherited a sizable amount of money, which allowed him to live reasonably. Owing to tuberculosis in the following year, he rested but returned to re-edit his Odes Modernas. He moved to Oporto in 1879, and in 1886 he published his best poetic work, Sonetos Completos, which included many passages considered autobiographical and symbolistic.
In 1880, he adopted the two daughters of his friend, Germano Meireles, who died in 1877. During a trip to Paris, he became seriously ill, and in September 1881, under counsel from his medic, he began residing in Vila do Conde, where he remained until May 1891 (with a few intervals in the Azores and Lisbon). His time in Vila does Conde was considered by the author the best of his life. To Carolina Michaelis de Vasconcelos, a friend, he wrote of his need to end his poetry and begin a philosophical phase in his writing, to develop and synthesize his philosophy, adding:
Here the beaches are plentiful and beautiful, and through them, I travel or stretch in the sun with a voluptuousness that only the poets and the lizards that love the sun…[citation needed]
In 1886, his Sonetos Completos, collected and prefaced by Oliveira Martins, was published. Between March and October 1887 he returned to the Azores, then back to Vila do Conde.
The Spaniard, Miguel de Unamuno, considered them "one of the greatest examples of universal poetry, which will live as long as people have memories."[citation needed]
In reaction to the English Ultimatum, on 11 January 1890, he agreed to preside over the minor Liga Patriótica do Norte (English: Northern Patriotic League), although his involvement was ephemeral. When he eventually returned to Lisbon, he stayed at the home of his sister, Ana de Quental.
Throughout his life Antero had oscillated between pessimism and depression; afflicted with what have been Bipolar Disorder, at the time of his last trip to Lisbon he was in a state of permanent depression, which was also accentuated by spinal disease. After one month in Lisbon, he returned once again to Ponta Delgada around June 1891. On September 11 of the same year, at approximately 20:00 PM, he committed suicide by a double gunshot wound through the mouth in the bunk of a local garden park on which a wall read the word Esperança (Hope). "Of all things, the worst is having been born", he wrote in a poem.
WORKS
"Properly speaking there has been no Portuguese literature before Antero de Quental; before that, there has been either preparation for future literature or foreign literature written in the Portuguese language.»
" Fernando Pessoa, letter to William Bentley, 1915"
Antero stands at the head of modern Portuguese poetry after João de Deus. His principal defect is monotony: his own self is his solitary theme, and he seldom attempts any other form of composition than the sonnet.
On the other hand, few poets who have chiefly devoted themselves to this form have produced so large a proportion of really exquisite work. The comparatively few pieces in which be either forgets his doubts and inward conflicts or succeeds in giving them an objective form are among the most beautiful in any literature. The purely introspective sonnets are less attractive, but equally finely wrought, interesting as psychological studies, and impressive from their sincerity. His mental attitude is well described by himself as the effect of Germanism on the unprepared mind of a Southerner.
He had learned much and half-learned more, which he was unable to assimilate, and his mind became a chaos of conflicting ideas, settling down into a condition of gloomy negation, save for the one conviction of the vanity of existence, which ultimately destroyed him. Healthy participation in public affairs might have saved him, but he seemed incapable of entering upon any course that did not lead to delusion and disappointment.
As a prose writer Quental displayed high talents, though he wrote little. His most important prose is the Considerações Sobre a Philosophia da Historia Literatura Portuguesa, but he earned fame by his pamphlets on the Coimbra question, Bom Senso e Bom Gosto, a letter to Castilho, and A Dignidade das Letras e Literature officials.
His friend Oliveira Martins edited the Sonnets (Oporto, 1886), supplying an introductory essay; and an interesting collection of studies on the poet by the leading Portuguese writers appeared in a volume entitled Antero de Quental. In Memoriam (Oporto, 1896). The sonnets have been translated into many languages; into English by Edgar Prestage (Antero de Quental, Sixty-four Sonnets, London, 1894), together with a striking autobiographical letter addressed by Quental to his German translator, Dr. Storck.
URBANO BIOGRAPHY
TEXTS ABOUT THE ARTIST
A INQUIETAÇÃO DAS ÁGUAS
POR DUARTE MANUEL ESPÍRITO SANTO MELO
Urbano pinta como sente. A sua pintura deixa-se povoar por um denso silêncio que reconhece a emancipação da verdade.
Urbano, "neste meio de mar", leva consigo a poética, que abre brechas e clareiras nos públicos do Museu Carlos Machado, proporcionando um encontro com a beleza desvelada. Ficamos surpreendidos pelo espectro inusitado da sua espontaneidade plástica e pela singular trajetória criativa, próprias de um grande artista, nascido no meio deste mar.
A arte tem de viver da verdade. No dizer de António Tápies, tem de se mostrar ao Homem que é preciso manter a comunhão com a natureza e garantir uma certa mística. Mística que Urbano sabe guardar, pelas narrativas que vai construindo, logo de início, desde a interioridade das águas. É que a sua pintura identifica a sacralidade mistérica da existência, quando reescreve ininterruptamente as sucessivas litanias inocentes e imaginativas do princípio da Terra e do Mar.
Este Artista, que normalmente pinta em grandes formatos, recorre à pigmentação orgânica da ilha, trazida no regaço com os primeiros frutos. A sua originalidade tem a força do húmus, e por isso dispensa a metáfora da doce lagoa ou do paraíso perdido. Urbano pinta com a totalidade das entranhas o sublime e executa com rigor os seus desenhos, sem nunca se desviar da essência ou da primeira energia que trespassa toda a sua obra. O seu trabalho repete e desencadeia lógicas numa verdadeira dialética Hegeliana, puxando-nos por dentro, atirando-nos para outras grandes margens, onde a mancha se revela num figurativo primordial.
Nascido em S. Miguel, Urbano vive e alimenta-se da necessidade de conhecer mais de perto o seu interior, avizinhando-se do território do silêncio que arde e que cruza a solidão. A diversidade do seu trabalho — pintura, desenho, escultura e gravura — exposta no Museu Carlos Machado, provoca e transfigura a memória, como que emergindo de um "banho de alcaçarias".
Uma obra que incorpora estilhaços de matéria orgânica, saída das cinzas ou da inquietação das águas, interrogando sempre a profundidade do ser Humano, o seu destino e o fim da História.
COM URBANO, NESTE MEIO DE MAR
POR LÚCIA MARQUES (co-curator)
Trouxemos o título emprestado de um verso que o poeta Emanuel Jorge Botelho escreveu — também a propósito do artista Urbano — para dar nome à exposição que o Museu Carlos Machado lhe quis dedicar, e resolvemos propor uma viagem antológica pela vasta obra que tem sido produzida, selecionando essencialmente a segunda metade dos cerca de 30 anos que constituem a sua carreira artística.
Assim se fez "neste meio de mar", de onde Urbano é natural (n. 1959, ilha de São Miguel) e no qual se situa o Museu onde também fez a sua primeira exposição individual, em 1983. É, por isso, um regresso especial à ‘casa’ que o mostrou na fase inicial do seu percurso, e que agora nos permite dar a conhecer uma parte significativa dos últimos dezasseis anos da sua produção artística (1996-2011), incluindo novas peças especificamente criadas para esta mostra.
Urbano é um pintor com orgulho de o ser, mesmo num tempo em que os artistas não se querem reféns de uma única técnica ou disciplina. Não é que ele não utilize várias técnicas disciplinares, porque utiliza — tal como o demonstram nesta exposição as suas gravuras e esculturas -, mas essas variações do modus operandi partem sempre de inquietações do domínio da pintura. São explorações da matéria e de processos criativos que, em última instância, resultam de uma pesquisa pictórica sistemática e meticulosa.
Foi esse aspeto profundamente experimental que resolvemos privilegiar neste momento, conscientes de que nas anteriores apresentações públicas da obra de Urbano a coerência dos temas e a consistência das abordagens levou a primazia. Foram contextos precisos que, propositadamente, relegaram para a intimidade dos seus dois ateliers — um na Ilha de São Miguel, outro em Lisboa — a maior parte dos trabalhos em que ensaiou perspetivas ‘pontuais’, senão mesmo "antiacadémicas", do seu principal foco de interesse.
E que interesse’ absoluto’ é esse? A vida, com natureza e humanidade incluídas, na sua complexa simplicidade. E poderíamos ainda acrescentar em jeito de metáfora: a pintura, e a exigente tarefa de conciliar toda a sua história com a liberdade criadora de cada indivíduo.
Usamos aqui o termo "antiacadémicas" porque estas obras a que nos referimos (as tais, de caráter mais ‘pontual’, que aqui destacamos) contrariam deliberadamente o cânone da pintura mais virtuosa, limpa e com paletas pré-definidas de materiais considerados mais ‘nobres’ (óleo, gouache, etc).
Dir-nos-ão então que a pintura de Urbano já se serve de matérias que passam a materiais — como a terra, os ramos, as folhas -, e que já outros mestres tutelares as usaram. É isso mesmo. Mas até esta exposição conhecíamos de Urbano uma vasta obra que desdobrava cada tema até às suas possibilidades mais ínfimas, sempre através de uma pintura gestual, texturada por materiais sucessivamente acoplados, e da adoção de um conjuntos de cores e tons que se tornavam o elo de ligação da própria série. Conferiam-lhe uma identidade própria. E percebíamos logo de que série se tratava.
O que mudou? Apenas a escolha do que se dá a ver, porque as obras já lá estavam, (nalguns casos) feitas há muito tempo atrás, à espera de serem vistas.
Essa é a grande preocupação desta exposição: dar a ver a obra de Urbano a partir de outras perspetivas, proporcionando um conhecimento mais amplo das suas propostas artísticas. Tínhamos as condicionantes habituais de uma exposição (espaço, recursos humanos e financeiros disponíveis), mas também tínhamos o que faz com que uma exposição aconteça: uma equipa com vontade de a fazer.
E assim começaram os preparativos há pouco menos de um ano atrás: visitas aos ateliers do Urbano e à Galeria 111 (que representa o artista desde 1997), reuniões com o Museu, trocas de emails entre Ponta Delgada e Lisboa, numa partilha de desejos, inquietações, diferentes e coincidentes visões do projeto. Tudo para chegarmos até aqui, ao que este catálogo representa, ou seja, até vocês: leitores, visitantes, pessoas que também assumem a arte e a cultura como partes integrantes (e integradoras) da vivência humanista.
A viagem que vos propomos atravessa, como tal, um itinerário de vida e foi idealizada como um percurso que une dois espaços já de si ligados pela sua própria história religiosa, mas também pelas novas funções culturais que entretanto desempenham na cidade de Ponta Delgada.
Referimo-nos à Igreja do Colégio: outrora pertencente ao Colégio dos Jesuítas, sendo atualmente o Núcleo de Arte Sacra do Museu Carlos Machado, onde também se acolhem exposições de arte contemporânea, que assim trazem novos públicos até à instituição; e ao Núcleo de Santa Bárbara: antigo Recolhimento de Santa Bárbara, que agora dispõe de três salas destinadas às exposições temporárias do mesmo museu. Este antigo Recolhimento inclui ainda a Igreja de Santa Bárbara, recentemente restaurada e igualmente utilizada para instalar obras de arte (função que, aliás, as "igrejas católicas" sempre tiveram), nomeadamente as obras que Urbano produziu especificamente para esta exposição individual.
Comecemos por estas obras mais recentes. São todas feitas em gesso, adicionando-se-lhe, consoante o caso, prata, ouro, bivalves, videiras, livros e telas, entre outros elementos que se tornam mais indistintos. Elegem um material que já antes aparecia numa das suas variantes (gesso líquido) nas pinturas sempre matéricas de Urbano e em muitos dos seus desenhos texturados, mas que agora dá corpo à própria obra. Sendo um material de secagem relativamente rápida, que se molda em vez de se esculpir, implica decisões rápidas e muitas vezes irreversíveis, mas por isso mesmo também absorve os próprios avanços e recuos do ato criativo numa amálgama algo demiúrgica.
Estes gessos retomam motivos e objetos presentes nos vários ciclos temáticos da obra de Urbano — a árvore, a onda, o peixe, a figura humana, o livro, o vaso-cálice e foi a partir deles que olhámos para trás e fomos escolher outros trabalhos que complementassem um panorama seletivo, sem esquecer as tais (outras) perspetivas mais pontuais, profundamente libertadoras, e menos conhecidas por parte da generalidade do público.
Considerámos, desde logo, essencial usar as três salas contíguas à Igreja do Núcleo de Santa Bárbara para diversificar a amostragem das múltiplas propostas que Urbano tem concretizado: da pintura à gravura, passando pelo desenho e colagem, sem esquecer todos os seus interstícios.
Projetámos uma primeira sala que mostra, pela primeira vez, o gigantesco livro de gravuras feito por Urbano em 1997, quando estudava na Slade School of Fine Art de Londres, fruto da cumplicidade com o grande mestre gravador Bartolomeu Cid dos Santos. E a acompanhá-lo, escolhemos vários exemplos de gravuras em água-forte, e até uma xilogravura, assumindo o ano de 1996 como o ponto de partida para a escolha das obras a integrar nesta antológica. Há apenas uma exceção a esta regra: uma "Cabra" (1994) invulgarmente pintada a óleo sobre madeira, e que para ampliar o animalário a que Urbano esporadicamente se dedica, acabou por ser incluída na montagem da exposição. Mas é, de facto, a exceção que confirma a regra. No mais, cumprimos escrupulosamente as balizas temporais então definidas: 1996-2011.
Trouxemos assim, ainda para esta primeira sala do Núcleo de Santa Bárbara, um assinalável conjunto de pinturas, desenhos e colagens, paradigmáticas de algumas das principais séries de trabalhos de Urbano: "Do Mundo e do Ser" (1996-1997), "No Princípio" (1996-2000), "Da Humanidade" (1997-2002), "Os Primeiros Frutos" (1999-2000), "As Flores e as Cinzas" (2008) e "O Terceiro Dia" (2011).
Com a colocação de uma vitrine ganhámos espaço para também mostrar vários livros, cadernos e esboços do artista, com soluções gráficas e estéticas amplamente diversificadas. Do registo naturalista, a uma gestualidade expressionista, e alguma aventura por caminhos algo abstratos ou até ‘descomprometidos’ (certamente pelo prazer ‘do fazer’): tudo glorifica a pintura enquanto exercício que se resolve no seu próprio ato (os desenhos de Urbano nunca permanecem estudos preparatórios, ganham sempre autonomia).
E encaminhámos para a segunda sala o animalário que referi antes, destacando aí sobretudo a série "As Últimas Aves" (2006) e "Europa 2001" (precisamente, de 2001). É um espaço de respiração no percurso expositivo. Só assim poderíamos preparar o visitante para o que se segue… a terceira e última sala do Núcleo das antigas Recolhidas, para a qual guardámos duas das séries mais importantes na obra de Urbano: "Palio" (2002) e "O Tempo Suspenso" (2004-2005), ambas representativas da sua admiração pela cultura italiana.
Se "Palio" é uma ode ao movimento, devolvendo-nos impressões episódicas das tradicionais corridas de cavalos numa paleta quase monocromática (que nos direciona precisamente para o cinetismo de cada ação), "O Tempo Suspenso" eterniza a contemplação prazeirosa das personagens e paisagens de uma Veneza colorida e aparentemente imutável, a modelo perfeita.
Juntámos desenhos e telas e também livros e cadernos, e de algum modo partilhamos ali (e aqui) a ‘viagem a Itália’ do Urbano. Quisemos que o visitante vislumbrasse a imensa produção que resulta de cada tema a que Urbano se entrega de modo tão intenso, acentuando através destas duas séries dois caminhos diferentes no enfoque e, no entanto, convergentes no processo.
Por fim, assumimos o Núcleo de Arte Sacra como um lugar de síntese do universo plástico do artista e, tendo a honra de inclusive poder usar de modo inédito alguns dos nichos aí existentes, privilegiámos obras emblemáticas do ecletismo que temos vindo a sublinhar, e que, também devido à sua escala, não poderíamos mostrar noutro dos espaços expositivos disponíveis. A nave do antigo colégio dos Jesuítas passou assim a ter outros cohabitantes temporários, atualizando a própria história da pintura no seio do museu.
Da "Memória dos Banhos das Alcaçarias" (1996) até "As Últimas Flores" (2008), revisitamos também "Do Mundo e do Ser" (1997), "Girassóis" (1998), "No Princípio" (2000), "Palio" (2002), "Atelier com O Tempo Sacralizado" (2003), "Inocente" (2003), "O Tempo Suspenso" (2004) e "As Últimas Aves" (2006).
É todo um léxico visual e textual que confirma o caráter cíclico dos temas e que torna novamente evidente a dimensão poética da própria obra de Urbano (certamente cúmplice da sua desmesurada paixão pelos livros). Mas não a esgota: apenas partilha uma das suas ilhas criativas, e de um modo tão prazeiroso quanto doloroso, porque é sempre de uma escolha que se trata.
Ou melhor dito, e pedindo novamente ’emprestadas’ as palavras ao brilhante poeta Emanuel Jorge Botelho: "Tudo coisas simples, afinal / como o sal, calado / de uma lágrima".
Museu Carlos Machado
© SNPC | 08.01.12
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