Для древних греков термин «искусство» означал любую форму творческой деятельности, которая способствовала их культурному развитию. Мы, которым посчастливилось родиться в этой части мира, можем видеть художественное наследие Афин на каждом шагу. Повсюду можно увидеть следы архитектуры, которую копировали, но так и не превзошли. В музеях по всему миру мы можем увидеть необычные образцы скульптур, на которых из холодного мрамора нарисованы фигуры, полные жизни, красоты и гармонии. Нет ничего более исключительно афинского достижения, чем аттическая керамика, которая в своем стремлении к творческому совершенству через живые украшения рассказывает об образе жизни людей, их поклонении богам, их радостям и печали. Аттическая земля всегда давала богатую глину для гончарного дела, будь то домашнее, религиозное или другое предназначение. С этим материалом афинские художники — гончары и художники — экспериментировали, создавали и добились известных и безымянных художников и бессмертия.
Одним из самых ранних керамических предметов, изготовленных в мастерских Аттики, является знаменитая большая (1,75 м высотой) амфора из Дипилонских ворот, которая сейчас выставлена в Археологическом музее. Он был найден в некрополе Керамикос после гробницы выдающегося гражданина 8 века до нашей эры. Украсил. Изображенная сцена не оставляет сомнений в ее использовании в качестве надгробия. Его форма проста, лишена пышности; У него узкое основание и удлиненная шея, что говорит о смелом гончаре, который не боялся таких громоздких размеров. Украшение состоит из последовательных рядов прямых линий и беспокойных греческих ключевых узоров, в то время как в центре похоронная процессия с трупом лежит на телеге в окружении скорбящих родственников и профессиональных скорбящих, рвущих себе волосы; маленькие птички заполняют пробелы. Сцена напоминает критские и маниотические причитания, вневременные выражения боли смерти. Вся работа — и ваза, и ее декор — характеризовала суровость того времени, когда геометрические символы приближались к трансцендентному.
В то же время в Коринфе и соседнем Сикьоне начали производить совсем другой вид керамики, состоящий из небольших круглых горшков с богато расписанными декоративными лентами, изображающими животных из азиатских стран. Грифоны, сфинксы и львы — все указывали на торговлю между Коринфом и портами на востоке. Керамика того же типа производилась на Милосе и Родосе, других известных торговых центрах древнего Эгейского моря. Однако именно коринфяне первыми использовали технику черных фигур, чтобы вырезать очертания фигур на поверхности горшка, а затем закрасили эти фигуры в черный цвет.
В начале наиболее продуктивного периода в Афинах Солон и его законы привлекли многих квалифицированных гончаров для изготовления работ для безопасной клиентуры. В то же время мастера сами начали реагировать на художественные запросы, создавая новые формы и размеры с соответствующим развитием декора. Жесткие, неукротимые фигуры геометрической погребальной урны постепенно приобретали подвижность. Художники изначально были вдохновлены рельефными скульптурами и черпали свои темы из неисчерпаемых тем мифологии. И в то время как первые коринфяне придавали своим работам восточный оттенок, рисуя на них экзотические декоративные фигуры, афинское искусство стало повествовательным. Его черные фигуры изображали страсти богов и героев, а также занятия простых людей: их работу, обряды и слабости. Первоначально сцены развивались горизонтально, как и коринфские горшки, служившие для них моделями, хотя афинские работы были намного больше. Вырезанные украшения позволяли просвечивать естественный цвет глины, и только у женщин лица и открытые части тела были окрашены в белый цвет. Очень часто художники добавляли имена персонажей, изображенных архаичным шрифтом.
Начиная с VI века, ремесленники перестали быть анонимными, когда начали подписывать свои работы. Самый ранний керамический предмет с автографом, который у нас есть, принадлежит человеку по имени Софилос. Этот бесценный фрагмент датирован 570 годом до нашей эры. Датировано. Это был тот же мастер, который оставил нам подписанную сцену похоронных игр в честь убитого Патрокла за стенами Трои, на которой зрители показаны сидящими на двойной платформе со ступенями: первая трибуна в истории сцены. театр.
Золотой век чернофигурных ваз пришелся на 550–500 гг. До н. Э. К этому периоду относится знаменитая ваза Франсуа, которая сегодня выставлена во Флоренции и на которой гордо поставили свои подписи гончар Эрготимос и художник Клейтиас. Двум художникам удалось изобразить 250 живых фигур людей и животных в пяти параллельных рядах на вазе высотой всего 66 см. Это продвижение сделало аттические горшки популярными во всем Средиземноморье и побудило колонистов южной Италии и Сицилии основать свои собственные мастерские, из которых они оставили множество образцов своего несравненного искусства. Витрины музея полны ваз с изображениями богов, дерзких сатиров, пьяных влюбленных смертных, жестокосердных педерастов и благородных лошадей, готовых тянуть колесницы героев.
Эксекия, возможно, величайший гончар своего времени, жил около 530 г. до н.э. Он был первым, кто осмелился украсить внешнюю сторону своих чашек двумя огромными глазами суеверного происхождения. Самым великолепным примером его искусства является Kylix в Мюнхене, интерьер которого Дионис небрежно плывет на своем корабле, показывает, как он превратил пиратов, которые хотели его ранить, в дельфинов. Пышные побеги виноградной лозы от мачты, и виноград отбрасывает свои тени на качающийся парус. Это путешествие на сказочном красном фоне стало предисловием к новой форме керамической росписи с красными фигурами.
Эта новая техника была полной противоположностью предыдущей, так как здесь вся поверхность сосуда была выкрашена в черный цвет, за исключением ранее нарисованных фигур, которые сохранили теплый кирпичный цвет обожженной глины. Вместо того, чтобы царапать дизайн, художники использовали кисти, чтобы передать детали одежды и продумать прическу с безопасными линиями. Женщины больше не отображаются белым цветом. Напротив, как мужские, так и женские формы часто были покрыты красноватым лаком, который отражал внутреннюю теплоту человеческого тела.
Изобретателем краснофигурной техники считается человек по имени Андокидес, хотя сам часто по старинке украшал свои вазы. Переходный период можно узнать по его так называемым «двуязычным» сосудам, на которых одна и та же сцена была изображена с красными фигурами с одной стороны и черными фигурами с другой. Были обнаружены чашки с черными цифрами внутри и красными цифрами снаружи. Затем появились определенные отличия в деталях функций. На черной керамике, например, мужчин изображали с круглыми глазами, а у женщин всегда были глаза вытянутые; однако в технике краснофигура у мужчин и женщин были одинаковые миндалевидные глаза с густыми ресницами. При этом художники дистанцировались от жесткого архаичного рельефа, изображающего предметы в профиль. В изображении фигур, оказавшихся повернутыми к зрителю, отчетливо просматривалась увлеченность художников скульптурами в полный рост. Например, если вы посмотрите на мраморного мальчика Крития в музее Акрополя и юношескую фигуру на куске керамики, вы увидите точно такую же гордую осанку тела.
Возрастающий реализм скульптуры не мог не повлиять на керамику, так что живопись также приобрела движение и живость. Были показаны сцены из повседневной жизни, иногда граничащие с издевательством. Неустанно художники изображали стариков, показывая все морщины и уродства старости. Деформированные сатиры дали художникам возможность показать свое искусство и в то же время вызвать бодрость. В Мюнхене есть характерная чаша, на которой живописец Эпилейос изображает крайне уродливого сатира с невероятным именем Терпон (радость), который выкрикивает слово «сладкое вино» перед полным мехом. В другом месте были нарисованы откровенно эротические сцены, в которых выражения лиц были показаны графически, а также движение. Иногда многофигурные композиции представлены на разных уровнях в повествовательных целях. Со временем и развитием искусства надписи появлялись все реже.
Замечательный образец краснофигурной вазы 500 г. до н.э. Это Sosias kylix в Берлине. Он показывает момент из Троянской войны, в котором Ахиллес лечит рану Патрокла. Сцена красочно поставлена: например, детали волос героя подчеркнуты тонкими линиями, а чешуйчатая броня выступает рельефом. Впервые глаза нарисованы в профиль, именно такими, какими мы их видим на самом деле. Патрокл показан с полуоткрытым ртом, стиснув зубы от боли в ране, которую Ахиллес перевязал белой тканью. Левая рука Ахилла и правая ступня раненого с костлявыми пальцами ног демонстрируют прекрасную технику.
Возможности, предоставленные художнику краснокерамической росписью, полностью заменили старую чернофигурную технику, которая до IV века преобладала исключительно в декоре афинской керамики. Амфоры, как следует из названия по-гречески, представляли собой сосуды с двумя ручками для облегчения переноски. В этих амфорах афиняне отправляли масло, вино, орехи и бобовые по всему известному миру. С учреждением Панафинеи стало традицией дарить победителям соревнований амфоры, полные масла со священных оливковых деревьев богини Афины. Эти сосуды имели высоту около 70 см и более или менее круглую форму, всегда с небольшим круглым дном и глиняной пробкой для защиты содержимого. Часто горлышко вазы украшали гимном. На панафинейских амфорах всегда было изображение Афины в ее руках, с одной стороны, и битвы, в которой победитель преуспел, с другой.
У нас нет других знаний о развитии живописи как таковой, кроме традиционных писаний. Из этого мы извлекаем описания работ Апеллиса и Полигнотоса, но в остальном очень мало. Поэтому роспись по керамике так ценна. Так называемый Имперский Орден Искусства 5. Аттические лекитои столь же красноречивы.
Белый лекитос был другим типом керамики в полисе, но имел ограниченное использование. Такие вазы обычно содержали ароматические масла для приготовления умерших. После погребальной процессии и кремации их помещали либо в могилу, либо на ступеньки могильного памятника. Вся поверхность именно этого сосуда была покрыта кремовой краской, на которой свободно рисовались фигуры. Обычно изображали умершего получающим похоронные дары от близких или другую сцену смерти. Белый фон этих ваз поощрял использование цветов на фигурках и особенно на одежде. Темные или светлые волосы были превосходно воспроизведены, как и выражение лиц скорбящих, показывая, что смертные приняли волю всемогущих богов с благородной скорбью. Изображения на белых аттических лекитах были предшественниками великолепных настенных росписей на македонских могилах, от которых земля эллинского севера только сейчас постепенно отказывается.
#Афины #греческое #искусство
